Die meisten Menschen denken, bei geometrischer Abstraktion gehe es um Perfektion, klare Linien, ausgewogene Formen und kontrollierte Farben. Geht man an einem geometrischen Gemälde vorbei, kann es prädestiniert wirken, schon vor dem ersten Pinselstrich fertig. Diese Interpretation verfehlt den Punkt.
Der Mythos der Perfektion
Es gibt die hartnäckige Vorstellung, dass geometrische Arbeiten kalt sind, dass das Raster den Künstler entfernt, dass der Klebestreifen die Hand auslöscht. Ich verstehe, woher das kommt. Geometrie impliziert System. System impliziert Maschine.
Aber ich habe noch nie vor einer Leinwand gestanden, bei der alles gelöst war. Die Geometrie ist nicht die Antwort. Sie ist die Frage, die ich die Farbe bitte zu beantworten.
Was ich über Jahre der Arbeit mit harten Kanten und strukturierten Kompositionen herausgefunden habe, ist, dass Beschränkung den Ausdruck nicht eliminiert. Sie konzentriert ihn. Jede Entscheidung wird sichtbarer. Jede Abweichung wird zu einer Entscheidung. Richtung oder Umkehrung. Engagement oder Auslöschung.
Beschränkung als System und Praxis
Wenn ich ein Stück beginne, arbeite ich mit Rastern, Klebeband und einer groben kompositorischen Logik. Es ist Planung involviert. Mondrian hatte seine horizontalen und vertikalen Absoluta. Agnes Martin hatte ihre Bleistiftlinien. Dies waren keine Einschränkungen; es waren die Bedingungen, unter denen etwas Wahres entstehen konnte.
Josef Albers verstand dies zutiefst. Seine lebenslange Studie über Farbinteraktion, wie sich ein Farbton in Anwesenheit eines anderen verschiebt, basierte vollständig auf Beschränkung. Er verwendete jahrzehntelang dasselbe quadratische Format, nicht weil es ihm an Fantasie mangelte, sondern weil die Begrenzung der Punkt war. Die Einschränkung zwang ihn, klarer zu sehen. Ich schrieb darüber, wie sein Denken meinen eigenen Ansatz zur Farbe geprägt hat in Wie Josef Albers meine Sicht auf Farbe prägte, und dieser Einfluss zieht sich durch alles, was ich mache.
Richard Diebenkorn arbeitete nach einer ähnlichen Disziplin. Seine Ocean Park-Serie nutzte eine konsistente strukturelle Logik als Behälter für Farbe und Licht, um sich darin zu bewegen. Wie bei Albers war die Beschränkung nie die Einschränkung. Sie war die Bedingung, die die Arbeit ermöglichte.
Mein eigenes System ist weniger starr. Ich benutze Geometrie als Gerüst, nicht als Käfig. Die Formen erzeugen ein Spannungsfeld. Dann arbeite ich innerhalb dieser Spannung, passe an, schichte, reiße manchmal ab, was ich gebaut habe, bis das Gemälde sein eigenes Gleichgewicht findet.
Dieses Wort, Gleichgewicht, ist mir wichtig. Nicht Symmetrie. Nicht Stille. Ein Gleichgewicht, das verdient ist.
Wo Farbe widersteht
Die Struktur hält, bis sie es nicht mehr tut. Denn kein System überlebt den Kontakt mit Farbe.
Kanten bluten. Schichten sammeln sich unvorhersehbar an. Eine Farbe verschiebt sich in dem Moment, in dem sie auf eine andere trifft. Der Klebestreifen löst sich ab und hinterlässt eine Oberfläche, die man nicht geplant hatte. Dies kann man in großem Maßstab in Joy in Being sehen, wo fast acht Fuß Oberfläche diese Verhandlung zwischen Plan und Farbe enthalten. Jede Unvollkommenheit ist eine Frage: die Linie halten oder dorthin folgen, wohin die Farbe führt.
Dies sind keine Fehler, die ich korrigiere. Es sind die Stellen, an denen die Arbeit ehrlich wird. Die Unvollkommenheit an der Kante einer harten Linie ist der Punkt, an dem die menschliche Hand wieder in die Geometrie eintritt. Es ist der Punkt, an dem ich wieder eintrete.
Ich habe gelernt, diese Momente eher als Information denn als Scheitern zu lesen. Das Gemälde erzählt mir etwas darüber, wo die Lösung tatsächlich liegt, nicht wo ich sie vermutet hatte.
Zwei Arten, die Linie zu halten
Die Spannung zwischen Kante und Atmosphäre ist etwas, zu dem ich in sehr unterschiedlichen Werkreihen immer wieder zurückkehre. Diese beiden Stücke liegen an entgegengesetzten Enden dieses Spektrums und zeigen zusammen, was Beschränkung in der Praxis bedeuten kann.
Chasing Daylight, 30x30 Original
Harte Kantenlinien definieren hier jede Grenze. Das Klebeband hielt. Die Farbe ist deklarativ. Es gibt keine Mehrdeutigkeit darüber, wo eine Ebene endet und eine andere beginnt, und diese Gewissheit ist der Punkt.
Joy in Being, 48x96 Original
In diesem Maßstab ist die Geometrie immer noch vorhanden, aber die Arbeit handelt nicht von der Linie. Es geht darum, was innerhalb des Feldes geschieht. Subtile Farbverschiebungen akkumulieren sich über fast acht Fuß Oberfläche und fordern das Auge auf, langsamer zu werden und zu verweilen.
Keiner der Ansätze ist gelöster als der andere. Es sind verschiedene Fragen, die an dieselbe Praxis gestellt werden.
Balance finden: Das menschliche Element
Die Frage, die ich mir in meinem Atelier am häufigsten stelle, ist nicht, wie soll das aussehen, sondern was braucht das.
Diese Verlagerung, vom Aufzwingen zum Zuhören, ist der Punkt, an dem sich meine Praxis am meisten verändert hat. Anfangs kämpfte ich gegen die Arbeit. Ich hatte eine Vision und versuchte, sie umzusetzen. Jetzt halte ich die Vision locker und bleibe im Gespräch mit dem, was tatsächlich auf der Oberfläche geschieht.
Diese Fähigkeit, präsent zu bleiben, immer wieder aufzutauchen, auch wenn die Arbeit Widerstand leistet, ist etwas, das ich bewusst aufbauen musste. In Berufskünstlerin, Mutterschaft und Atelierpraxis schrieb ich darüber, wie die Bedingungen meines Lebens, einschließlich der Einschränkungen, die ich nicht gewählt habe, meine Arbeitsweise geprägt haben. Das Atelier existiert nicht getrennt von allem anderen. Es existiert darin.
Darüber habe ich im Kontext von Landschaft und Minimalismus direkter gesprochen. In Künstlerphilosophie: Minimalistische Landschaftskunst habe ich untersucht, wie Reduktion, das Reduzieren einer Komposition auf ihre wesentlichen Elemente, nicht um der Einfachheit willen geschieht. Es geht darum, Raum für das zu schaffen, was zählt. Dieselbe Logik gilt hier. Die Geometrie schafft die Bedingungen. Sie entsteht aus ihnen heraus.
Gleichgewicht ist in diesem Sinne kein Ziel. Es ist eine anhaltende Verhandlung zwischen Absicht und Material, zwischen Struktur und Zufall, zwischen dem, was ich geplant habe, und dem, was das Gemälde zu werden besteht.
Einige meiner gelungensten Werke entstanden in Momenten des Beinahe-Scheiterns, eine Farbe, die sich falsch anfühlte, bis ich eine weitere Schicht hinzufügte, eine Komposition, die zu schwer schien, bis ich etwas entfernte, an dem ich hing. Die Lösung war immer da. Ich musste nur aufhören, sie dort zu suchen, wo ich sie erwartet hatte.
Für einen umfassenderen Blick darauf, wie diese Praxis auf eine sich verändernde Natur reagiert, lesen Sie Was bedeutet Landschaft in einem sich wandelnden Klima?
Geometrische Abstraktion, neu betrachtet
Ich betrachte geometrische Abstraktion nicht als die Eliminierung von Gefühlen, sondern als Gefühl unter Druck. Die Beschränkung macht die Emotion lesbar. Ohne das Raster hat die Spannung keinen Ort zum Leben. Ohne die Struktur bedeutet die Abweichung nichts.
In einem Interview über meine Praxis sprach ich darüber, warum ich immer wieder zu geometrischen Formen zurückkehre, auch wenn sich meine Arbeit weiterentwickelt, und die Antwort ist immer dieselbe. Es geht nicht um die Form. Es geht darum, was die Form ermöglicht. Mehr über dieses Gespräch können Sie in Original Geometric Art: Interview mit Shilo Ratner lesen.
Wenn ein Gemälde funktioniert, wenn es hält, dann deshalb, weil diese beiden Kräfte eine temporäre Übereinstimmung gefunden haben. Die Geometrie gab der Farbe etwas, gegen das sie sich stemmen konnte. Die Farbe gab der Geometrie etwas, dem sie widerstehen konnte.
Das ist das Gleichgewicht, das ich immer suche. Nicht perfekt. Nicht permanent. Einfach gehalten, unter Druck, in diesem Moment, auf dieser Oberfläche.
Das genügt.
Wenn Sie mehr über das Denken hinter dieser Arbeit erfahren möchten, können Sie mein Künstlerstatement lesen. Und wenn Sie darüber nachdenken, ein solches Stück in Ihr Zuhause zu holen, deckt der vollständige Leitfaden zum Sammeln geometrisch-abstrakter Kunst alles ab, von der Auswahl des richtigen Stücks bis zur Pflege über die Zeit hinweg.
Werke aus dem Atelier
Diese Gemälde sind der Ort, an dem dieses Gleichgewicht lebt, geometrische Bergkompositionen, die aus Beschränkung, Farbe und der Verhandlung zwischen Plan und Farbe aufgebaut sind.
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