Manche Erlebnisse lassen sich nur schwer beschreiben. Zum ersten Mal persönlich vor Hilma af Klints Gemälden zu stehen, in der Rotunde des Guggenheims, war eines davon. Sie war eine lange Zeit unterschätzte Pionierin der abstrakten Kunst (1862–1944), und nichts, was ich gelesen oder auf einem Bildschirm gesehen hatte, bereitete mich auf das Gefühl vor, mit ihren Werken in einem Raum zu sein.
Wer war Hilma af Klint?
Hilma af Klint war eine schwedische Malerin, die nach den meisten Darstellungen die ersten abstrakten Gemälde der westlichen Kunstgeschichte schuf, Jahre bevor Kandinsky, Mondrian oder Malewitsch ihre bahnbrechenden Schritte in die Abstraktion unternahmen. Ihre großformatige abstrakte Serie, Die Gemälde für den Tempel, begann sie 1906. Kandinskys erstes abstraktes Aquarell ist auf 1910 datiert.
Und doch kannte die meiste Zeit des 20. Jahrhunderts kaum jemand ihren Namen.
Af Klint verfügte, dass ihre abstrakten Werke erst mindestens 20 Jahre nach ihrem Tod öffentlich gezeigt werden sollten, da sie glaubte, die Welt sei noch nicht bereit dafür. Sie starb 1944. Ihre Arbeiten tauchten in den 1980er Jahren auf, aber erst mit der Ausstellung Paintings for the Future des Guggenheim, die vom 12. Oktober 2018 bis zum 23. April 2019 lief, erreichte sie ein wirklich breites Publikum. Die Ausstellung wurde zu einer der meistbesuchten in der Geschichte des Museums und zog über 600.000 Besucher an. Für viele Menschen war es eine Offenbarung. Für mich war es die Bestätigung einer lange gehegten Vermutung: dass die Geschichte der abstrakten Kunst eine erhebliche Lücke aufwies und ihr Name an den Anfang gehörte.
Über die Ausstellung: Gemälde für die Zukunft
Organisiert vom Guggenheim und die ikonische Rotunde des Museums umfassend, vereinte Paintings for the Future über 170 Werke aus af Klints gesamter Karriere. Es war die größte Retrospektive ihrer Arbeit, die jemals in den Vereinigten Staaten gezeigt wurde. Die Größe der Installation, große Leinwände, die die spiralförmige Rampe hinaufsteigen, wirkte absolut beabsichtigt. Dies waren Gemälde, die dazu geschaffen wurden, in ihrer Größe, im Raum und über die Zeit hinweg erlebt zu werden. Ihnen diesen Raum zu geben, war fast wie ein Geschenk.
Ihr Werk persönlich sehen
Reproduktionen, so getreu sie auch sein mögen, verflachen etwas, das im Wesentlichen ein lebendiges Ding ist. Hilma af Klints Gemälde besitzen eine Präsenz, die sich der Erfassung entzieht: eine Leuchtkraft, eine Größe, eine Stille, die dazu auffordert, innezuhalten und zu verweilen. Ich hatte ihr Werk auf dem Papier studiert. Es im gesamten Raum der Guggenheim-Rotunde zu erleben, war etwas ganz anderes.
Ihre größten Werke, einige über drei Meter hoch, sind gefüllt mit spiralförmigen Formen, biomorphen Gebilden, botanischen Referenzen und symbolischen Systemen, die sie über Jahre privater Forschung entwickelte. Die Farbpalette bewegt sich zwischen zart und kühn: sanfte Rosa- und Blautöne neben tiefen Ocker- und Schwarztönen. Nichts an ihnen ist zögerlich. Dies sind Gemälde, die mit vollkommener Überzeugung geschaffen wurden.
Das Guggenheim als Kunstwerk
Das Guggenheim ist eines meiner Lieblingsmuseen weltweit, nicht nur wegen dessen, was es beherbergt, sondern wegen dem, was es ist. Frank Lloyd Wrights Gebäude ist ein Kunstwerk für sich: diese ikonische Spiralrampe, die zu einem Oberlicht aus natürlichem Licht aufsteigt, die Art und Weise, wie die Architektur selbst zu atmen scheint. Der Aufstieg, das Hinaufsteigen durch die Rotunde, während die Stadt darunter verschwindet, hat etwas fast Zeremonielles.
Besonders für af Klints Werk fühlte sich diese Architektur wie ein Geschenk an. Die Geometrie des Gebäudes, seine Kurven, sein Licht, sein Sinn für Aufwärtsbewegung, reimten sich mit allem, wonach sie strebte. Es war einer dieser seltenen Momente, in denen Behälter und Inhalt wie füreinander geschaffen schienen.
Was ihre Bilder bewirken
Ihre Leinwände kündigen sich nicht an; sie entfalten sich. Man findet sich in Bedeutungsebenen hineingezogen, die Geduld belohnen: botanische Formen, die Wachstum und Kreislauf andeuten, geometrische Strukturen, die sowohl archaisch als auch vollkommen modern wirken, Farbbeziehungen, die emotionale Tiefe tragen, ohne je sentimental zu werden.
Af Klint schöpfte aus der Theosophie, Anthroposophie und spiritistischen Ideen, die zu Beginn des Jahrhunderts in europäischen intellektuellen Kreisen kursierten. Sie arbeitete mit einer Gruppe von Frauen zusammen, die sie Die Fünf nannte, und führte Séancen und automatische Zeichnungssitzungen durch, von denen sie glaubte, dass sie sie mit höheren spirituellen Kräften verbanden. Ob man diese Überzeugungen teilt oder nicht, die Gemälde sind unbestreitbar. Sie besitzen eine innere Logik, eine Kohärenz, die weit über bloßes automatisches Zeichnen hinausgeht. Der spirituelle Rahmen war der Kontext. Die Handwerkskunst war das Werk.
Was mich am meisten beeindruckte, war, wie tief sie in der Natur, insbesondere in der Botanik, verwurzelt sind. Af Klint wurde zu Beginn ihrer Karriere als wissenschaftliche Illustratorin ausgebildet, und diese Präzision verließ sie nie. In ihrem abstrakten Werk ist sie spürbar: die Art, wie sich Formen wie Farne entfalten, wie Zellen sich teilen und spiralisieren, wie Wachstum selbst das Thema zu sein scheint. Diese Verbindung zwischen dem Organischen und dem Geometrischen ist etwas, das mich in meiner eigenen Arbeit anzieht, das Gefühl, dass unter jeder Form eine natürliche Logik wirkt.
Was sie mich über meine eigene Praxis lehrte
Kunst, die aus Überzeugung und nicht aus Publikum gemacht wird, ist etwas, zu dem ich in meinem eigenen Atelier immer wieder zurückkehre. Af Klint arbeitete jahrzehntelang ohne öffentliche Anerkennung, ohne Markt, ohne die Bestätigung, der die meisten Künstlerinnen und Künstler ihre Karriere lang hinterherjagen. Sie vertraute dem Werk, und sie vertraute ihm, bevor es irgendeinen äußeren Grund dafür gab. Das ist eine schwierigere Disziplin, als es klingt.
Ihre Verwendung der geometrischen Form als Bedeutungsträger, nicht als Dekoration, nicht als System, sondern als echter Inhalt, verbindet sich direkt mit der Art und Weise, wie ich in meinen eigenen geometrisch-abstrakten Gemälden über Struktur nachdenke. Die Form ist niemals nur eine Form. Sie ist ein Spannungsfeld, ein Behälter für etwas weniger Fassbares. Diese Idee ist auch eng damit verbunden, wie ich über Einschränkung als eine generative Kraft in der geometrischen Abstraktion denke. Es ist eine Qualität, die ich in Ebbe und Flut anstrebte, einem 36x48 großen Küsten-Abstrakt, das dieselbe Spannung zwischen Bewegung und Stille birgt.
Sie hat auch etwas über die Größe geklärt: Ihre größten Gemälde sind nicht groß um des Effekts willen. Sie sind groß, weil die Ideen darin so viel Raum benötigen. Das denke ich oft, wenn ich an größeren Leinwänden arbeite. Und sie schuf Werke, von denen sie glaubte, dass die Welt nicht bereit dafür war, und sie hatte Recht. Sie passte sich nicht an den Moment an. Sie ließ den Moment aufholen. Ich glaube nicht, dass ich diese Lektion vollständig gelernt habe, aber ich kehre immer wieder dazu zurück.
Ihr Einfluss steht neben anderen, die meine Sichtweise geprägt haben: die Farbtheorie von Josef Albers, der disziplinierte Prozess von Richard Diebenkorn. Jeder von ihnen schuf Werke aus einer tiefen inneren Notwendigkeit heraus. Das ist der Standard, an dem ich mich messe. Für einen genaueren Blick darauf, wie diese Einflüsse im Atelier Gestalt annahmen, lesen Sie Ein stiller Anfang im Atelier.
Warum sie heute wichtig ist
Af Klints Wiederentdeckung ist mehr als eine kunsthistorische Korrektur, obwohl sie auch das ist. Es ist eine Erinnerung daran, dass der Kanon immer unvollständig ist, dass es Künstler gibt, die isoliert arbeiten, deren Vision das übersteigt, was ihre Zeit erfassen kann. Sie malte für die Zukunft, wie der Ausstellungstitel es ausdrückte, und die Zukunft kam schließlich.
Für jeden, der sich für die Wurzeln der geometrischen Abstraktion, für die Beziehung zwischen Spiritualität und Form interessiert oder einfach nur sehen möchte, wie es aussieht, wenn sich ein Künstler voll und ganz einer inneren Vision verschreibt, ist ihr Werk unverzichtbar. Wenn Sie es noch nicht persönlich gesehen haben, finden Sie einen Weg. Keine Reproduktion wird Sie darauf vorbereiten.
Wenn Sie neugierig auf die Gedanken hinter meiner eigenen Arbeit sind, können Sie mein Künstlerstatement lesen oder die vollständige Sammlung meiner Originalgemälde erkunden.
Originale abstrakte Küstenbilder entdecken
Wenn af Klints Gefühl für Bewegung, Farbe und leise Tiefe Sie anspricht, erkundet meine Küstenkollektion ein ähnliches Terrain durch eine originelle geometrische Linse.
Künstlerreihe
Dieser Beitrag ist Teil einer fortlaufenden Reihe über Künstler, die meine Praxis geprägt haben. Jeder Beitrag behandelt eine andere Persönlichkeit, deren Werk, Ideen oder kreative Philosophie meine Denkweise über Malerei beeinflusst haben. Jüngste Beiträge in dieser Reihe sind:
- Bruno Lucchesi: ein Atelierbesuch und die figurative Tradition
- Josef Albers und die Art, wie Farbe die Wahrnehmung prägt
- Richard Diebenkorn: Notizen an mich selbst und der kreative Prozess
- Raimonds Staprans: gesättigte Farben und das gemalte Objekt
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