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Raimonds Staprans Gemälde: Sattes Kolorit, Präsenz und bleibender Eindruck

Raimonds Staprans exhibition catalog signed by the artist, Hackett Mill Gallery 2011, photographed by New Haven artist Shilo Ratner

"Um seinen Namen zu verdienen, muss ein Gemälde ein wenig 'Magie' besitzen."

— Raimonds Staprans

Ich studiere die Werke von Raimonds Staprans schon seit Jahren, lange bevor ich ihn jemals getroffen habe.

Seine Gemälde tauchten in den gehobenen Galerien auf den Kunstmessen auf, wo ich ausgestellt habe, und sie hatten eine sehr spezifische Wirkung. In Umgebungen, die auf visueller Überladung basieren, wo alles um Aufmerksamkeit wetteifert, konkurrierten seine Werke nicht.

Sie hielten.

Leise, vollständig. Man scannte nicht einfach daran vorbei. Man blieb stehen.

Sättigung als Kontrolle

Das Erste, was man wahrnimmt, ist die Farbe.

Sie ist voll gesättigt, saftig, direkt und kompromisslos. Es gibt keine Abschwächung, keine Verdünnung, um sie leichter verdaulich zu machen. Die Farbtöne sind bis an ihre Grenze getrieben.

Und doch zerfallen sie nie.

Darin liegt die Strenge. Staprans benutzt Farbe nicht nur, er baut damit. Er versteht, wie eine Farbe eine andere aktiviert, wie Dichte ausgeglichen werden kann, wie visuelles Gewicht sich über die Oberfläche bewegt. Die Gemälde sind durch Beziehungen konstruiert.

Aus der Nähe offenbaren sich die Oberflächen noch mehr. Pigmentschichten erzeugen subtile Verschiebungen zwischen Farbfeldern, Variationen, die man spürt, bevor man sie bewusst sieht.

Dies ist dasselbe Prinzip, das Josef Albers ein Leben lang studierte: dass Farbe niemals fest ist, immer relational, immer abhängig von dem, was sie umgibt. Ich habe darüber geschrieben, wie dieses Denken meine eigene Arbeit prägt in Wie Josef Albers meine Art, Farbe zu sehen, prägte. Staprans gelangt aus einer anderen Richtung zur gleichen Wahrheit, durch Beobachtung statt Theorie, aber die zugrunde liegende Logik ist identisch. Man kann es in einem Gemälde wie Sail Away sehen, wo warme und kühle Töne sich über eine harte geometrische Kante gegenseitig verstärken, jeder den anderen lebendiger machend.

Es ist eine Disziplin, die parallel zu dem verläuft, was Richard Diebenkorn so deutlich machte: Farbe ist keine Dekoration. Sie ist Struktur.

Das Ergebnis ist ein Werk, das unmittelbar wirkt, aber niemals beiläufig ist.

Innerhalb einer Linie, aber nicht von ihr eingeschränkt

Staprans verbrachte über sechzig Jahre in San Francisco, im Dialog mit einer Generation von Malern, darunter Wayne Thiebaud, Diebenkorn, Theophilus Brown und Gregory Kondos.

Diese Künstler trugen dazu bei, das zu definieren, was wir heute als Bay Area Figurative Movement bezeichnen, indem sie alltägliche Bilder als Rahmen nutzten, um Farbe, Licht und räumliche Struktur zu erforschen.

Aber Staprans fühlte sich nie ganz wohl in dieser Kategorie.

Wo andere oft Harmonie erreichten, übt seine Arbeit einen subtilen Druck aus. Die Objekte, Tische, Früchte, Innenräume sind erkennbar, aber sie finden keine Ruhe. Es zieht sich eine Spannung durch sie, etwas leicht Unaufgelöstes, das die Aufmerksamkeit aktiv hält.

Er beschrieb es selbst am besten: "Ich bin ein abstrakter Maler, dessen Objekte wirklich erkennbar und manchmal ziemlich realistisch sind."

Dieser Widerspruch ist der Punkt. Die Bildsprache ist ein Rahmen. Was wirklich geschieht, ist schwerer zu benennen.

Das Werk in Bewegung erleben

Das Betrachten dieser Werke auf einer Kunstmesse verändert das Erlebnis.

Kunstmessen sind schnelllebig, überfüllt und transaktional. Menschen bewegen sich schnell. Entscheidungen fallen instinktiv.

Und trotzdem verlangsamen seine Bilder die Dinge.

Ich habe Leute beobachtet, wie sie sich vorbeugten, innehielten, länger blieben, als sie beabsichtigt hatten. Die Arbeit schafft ihren eigenen Raum innerhalb des Lärms. Diese Art von Präsenz ist kein Zufall. Sie kommt von Klarheit. Von einem Gemälde, das genau weiß, was es tut.

Begegnung mit Staprans

Ich hatte die Gelegenheit, Staprans bei Raimonds Staprans: Paintings in der Hackett Mill Gallery zu treffen, 8. April – 1. Juli 2011.

Er war offen, großzügig und engagiert, voll präsent mit den Menschen, die gekommen waren, um die Werke zu sehen. Ich hatte ein Buch dabei, und er signierte es. Ein einfacher Moment, der mir aber in Erinnerung geblieben ist.

Und ja, ich sage es direkt: Ich bin ein Fan.

Nicht beiläufig, sondern durch anhaltendes Betrachten. Die Art, die sich im Laufe der Zeit aufbaut, wo das Werk sich immer weiter entfaltet, anstatt sich aufzulösen.

Die Frage, die ich stelle, und seine Antwort

Wenn ich Künstler treffe, die ich bewundere, stelle ich tendenziell eine Frage, die nichts mit Karriere oder Einfluss zu tun hat:

Gehen Sie jemals zurück? Überarbeiten Sie alte Gemälde? Übermalen Sie sie?

Er zögerte nicht.

„Ja, das tue ich.“

Es gab noch weitere Worte dazu, aber diese Antwort blieb.

Denn in seinem Werk, so bewusst, so sorgfältig konstruiert, könnte man Endgültigkeit annehmen. Dass ein Gemälde, sobald es dieses Maß an Auflösung erreicht hat, fixiert ist.

Aber das ist es nicht.

Für ihn bleibt die Arbeit offen. Wieder betretbar. Ein Gemälde kann immer überdacht, sogar rückgängig gemacht werden. Diese mangelnde Kostbarkeit ist ein Teil dessen, was das Werk lebendig hält.

Es geht nicht darum, das Bild zu schützen. Es geht darum, in Beziehung zu ihm zu bleiben.

Warum es immer noch dringend erscheint

Die zeitgenössische Malerei bewegt sich in viele Richtungen: Narrativ, materielle Experimente, digitaler Einfluss.

Und doch wirkt Staprans' Werk nicht veraltet.

Wenn überhaupt, fühlt es sich zunehmend relevanter an.

Denn es kehrt zu etwas Fundamentalem zurück: der direkten Erfahrung von Farbe. Nicht als Trend. Nicht als Referenz. Sondern als Substanz.

Diese Art von Klarheit konkurriert nicht mit Lärm. Sie durchdringt ihn.

Was ich in meine eigene Arbeit einbringe

Das Studium von Staprans hat etwas in meiner eigenen Praxis geschärft:

Man muss die Intensität nicht verwässern, damit ein Gemälde funktioniert.
Man muss sie gut genug verstehen, um sie zu halten.

Diese Idee taucht immer wieder in meiner eigenen geometrischen Arbeit auf, die Spannung zwischen Beschränkung und Gefühl, Struktur und Präsenz. Das habe ich in Beyond Shape: How Constraint Gives Life to Geometric Abstract Painting und in Artist Philosophy: Minimalist Landscape Art erkundet. Man kann diese Spannung direkt in einem Werk wie Ebb and Flow sehen, einem 36x48 Küsten-Abstrakt, dessen Palette vollständig auf Farbbeziehungen aufbaut, wobei jeder Ton seinen Platz durch das, was ihn umgibt, verdient. Dieser Küsten-Werkkomplex und wie sich die Küstenlinie in geometrische Formen übersetzt, erforsche ich eingehend in Geometric Coastal Art: Translating Coastal Landscapes into Abstract Paintings. Dieselbe Logik durchzieht Between Two Forms, ein blau-weißes geometrisches Diptychon, bei dem zwei Tafeln über einen gemeinsamen Horizont hinweg ein Gespräch führen, wobei jede Form durch das definiert wird, woran sie steht.

Staprans verkörpert dieses Gleichgewicht.

Und wenn alles zusammenkommt, Struktur, Farbe, Spannung, dann ist da dieses letzte, unbenennbare Element, auf das er so einfach hingewiesen hat:

Magie.

Die Art, die nicht erzwungen werden kann, nur zugelassen, und wenn sie einmal da ist, vergisst man sie nicht.

Ich schreibe dies aus dem Gedächtnis. Staprans ist dieses Jahr verstorben. Ein weiterer großer Künstler ist gegangen, dessen Werk lange nach ihm weiterleben wird, präsent, gesättigt und unübersehbar. Genau wie der Mann.

In seinem Gedenken bin ich zu meiner eigenen Arbeit zurückgekehrt, zu Gemälden, in denen Farbe und Geometrie dieselbe Art von Spannung enthalten, die er ein Leben lang erforscht hat. Einige davon können Sie in meinen geometrischen Berggemälden sehen.

Dieser Beitrag ist Teil einer fortlaufenden Reihe über Künstler, deren Werk mein Denken geprägt hat. Andere Beiträge in der Reihe: Josef Albers, Richard Diebenkorn, Theophilus Brown, Curtis Fields.

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