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Plein les poches d'espoir SCSU !

Pockets Filled With Hope 5x10ft geometric abstract painting installation at Southern Connecticut State University

J'ai une multitude de projets en cours, ce qui rend difficile de décider lequel partager en premier. Aujourd'hui, cependant, un projet particulier a retenu toute l'attention.

Projet d'art public : Des poches remplies d'espoir

Je suis ravie de vous annoncer que ma peinture abstraite géométrique à grande échelle, «Pockets Filled with Hope» (1,5 m x 3 m), a été récupérée ce matin et est en route pour la Southern Connecticut State University School of Business. Cette œuvre monumentale fait partie du prestigieux projet d'art public du CT 1 %, apportant l'art contemporain aux espaces éducatifs à travers le Connecticut.

Voir cette peinture quitter l'atelier a été à la fois excitant et doux-amer. C'est toujours émouvant de voir une pièce dans laquelle on a tant investi trouver sa place permanente.

À propos de la peinture : Des poches remplies d'espoir

«Pockets Filled With Hope» est une peinture abstraite géométrique de 1,5 x 3 mètres qui explore les thèmes de l'optimisme, de la possibilité et de l'élan. La composition utilise des formes géométriques superposées et une palette de couleurs dynamique pour créer un sentiment d'énergie et d'aspiration, des qualités qui résonnent parfaitement avec l'environnement universitaire.

Le titre reflète l'idée que nous portons tous l'espoir en nous, blotti dans nos poches métaphoriques, prêt à être puisé lorsque nous en avons le plus besoin. Pour les étudiants qui se lancent dans leur parcours éducatif, ce message est particulièrement significatif.

Installation à la Southern Connecticut State University

La peinture sera installée de façon permanente à la Southern Connecticut State University School of Business, où elle inspirera les étudiants, les professeurs et les visiteurs chaque jour. Les installations d'art public comme celle-ci transforment les espaces institutionnels en galeries, rendant l'art contemporain accessible à un public plus large au-delà des musées traditionnels.

Dans le cadre du programme Connecticut 1 % pour l'art, ce projet témoigne de l'engagement de l'État à intégrer l'art dans les bâtiments publics et les institutions éducatives. Le programme alloue 1 % des budgets de construction éligibles de l'État à la commande d'œuvres d'art originales, enrichissant ainsi le paysage culturel du Connecticut.

Le programme d'art public CT 1 %

Le programme Connecticut 1 % pour l'art est une initiative de l'État qui commande à des artistes de créer des œuvres originales pour des bâtiments publics, y compris des universités, des installations gouvernementales et des espaces communautaires. Être sélectionné pour ce programme est un honneur significatif et un témoignage du pouvoir de l'art à transformer les espaces et à inspirer les communautés.

Gratitude et communauté

Un projet de cette envergure nécessite un village, et je suis profondément reconnaissante envers tous ceux qui l'ont rendu possible.

Tamara Dimitri et le CT Office of the Arts pour avoir sélectionné cette œuvre pour l'installation et pour soutenir les artistes du Connecticut par le biais du programme 1 %.

Frame Shop CT pour son expertise dans la préparation de cette pièce à grande échelle pour l'installation, en veillant à ce qu'elle soit protégée et prête à être présentée.

Les déménageurs professionnels qui ont transporté avec soin cette peinture de 1,5 x 3 mètres, en la traitant avec le soin et le respect qu'elle mérite.

Pourquoi l'art public est important

Les installations d'art public jouent un rôle vital dans nos communautés. Elles rendent l'art accessible aux personnes qui ne visitent pas les galeries ou les musées, transforment les espaces quotidiens en environnements inspirants, suscitent des conversations et une pensée créative, reflètent les valeurs et les aspirations de la communauté, et soutiennent les artistes locaux et l'économie créative.

Pour les étudiants de la SCSU, rencontrer cette peinture quotidiennement offre un moment d'inspiration visuelle, un rappel de garder l'espoir en eux alors qu'ils poursuivent leurs objectifs éducatifs et professionnels.

Enraciné à New Haven

Je suis vraiment reconnaissante pour la communauté que j'ai bâtie ici à New Haven et sur toute la côte Est. Des autres artistes aux administrateurs artistiques, encadreurs, installateurs et collectionneurs, ce réseau de professionnels de la création rend possibles des projets ambitieux comme celui-ci.

New Haven possède un écosystème artistique remarquable, ancré par des institutions comme le Eli Whitney Museum, les programmes artistiques de Yale et une communauté florissante d'artistes en activité. L'héritage du design de Yale est particulièrement profond pour moi. Josef Albers a dirigé le département de design et a développé la théorie des couleurs qui continue de façonner ma façon d'aborder la palette et la composition dans les œuvres à grande échelle. J'ai écrit sur cette influence dans How Josef Albers Shaped the Way I See Color, et c'est un fil conducteur qui traverse directement une peinture comme celle-ci.

Mes propres racines ici sont profondes, y compris une résidence au Eli Whitney Museum qui a façonné ma façon de concevoir le travail dans cette ville, et une exposition récente à la DaSilva Gallery, The Shape of Things, qui a directement introduit ce travail dans la communauté de New Haven.

En tant qu'artiste basée à New Haven, je suis honorée de contribuer au paysage culturel du Connecticut par le biais de cette installation artistique universitaire, et de porter l'esprit de cette communauté dans les espaces publics de l'État.

Découvrez plus d'œuvres à grande échelle

Si vous êtes intéressé par la commande de peintures abstraites à grande échelle pour des espaces corporatifs, institutionnels ou résidentiels, j'aimerais discuter de votre projet. Parcourez ma collection d'art abstrait géométrique ou contactez-moi pour discuter de commandes personnalisées.

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Building the System The canvas is square, which matters. A square doesn't have a natural direction. It doesn't push the eye left to right or top to bottom the way a landscape format does. That neutrality was useful here, because the movement had to come entirely from the forms themselves, not from the shape of the support. The composition is built from horizontal bands that shift, compress, and interrupt each other. They function as tidal layers: each one moving at a different rate, overlapping without merging. The eye follows the edges rather than any single focal point. There's no center of gravity. The painting holds attention by distributing it. That relationship between rhythm and structure is something I explored more directly in Ebb and Flow Abstract Painting: When Surrender Becomes Creation. I also made a deliberate decision to keep the forms hard-edged. Soft edges would read as atmospheric, impressionistic, wave-like in a literal sense. Hard edges force the geometry to carry the movement instead. The result feels more like a diagram of the coast than a depiction of it. Color Logic The palette is blue and neutral, but the neutrals are doing most of the structural work. A range of warm and cool off-whites sits alongside the blues, and the temperature shifts between them create a subtle spatial push and pull. Warmer neutrals advance slightly. Cooler ones recede. That movement is quiet, but it's what gives the painting depth without relying on illusionistic perspective. The same principle is at work in How Josef Albers Shaped the Way I See Color. The blues are controlled rather than expressive. Some lean toward slate, others toward a washed cerulean, others toward near-gray. Each one is chosen for its relationship to the forms around it, not for emotional effect on its own. The emotion comes from the whole, not any single color. I also kept the value range relatively compressed. High contrast would have created drama. I was after something steadier, calm, but still in motion. The result is a kind of unsettled calm, like watching the tide without needing it to resolve. What Changed Along the Way The early version had more forms, more bands, more interruptions, more variation in width. It was busier, and that busyness worked against the system. I simplified. Removed two horizontal elements entirely. Widened two of the remaining bands so the rhythm slowed down. The painting became quieter, and paradoxically more active, because the eye had room to move between the forms rather than being crowded by them. The frame color also changed. The original frame was a cooler white that competed with the lightest tones in the painting. I switched to a warmer wood finish that separates cleanly from the canvas without pulling attention. What Viewers Don't Notice The edges of the forms are not perfectly parallel. This is intentional. If every horizontal band were exactly parallel, the painting would feel mechanical, static, like a striped field rather than a system in motion. The slight deviations, a degree or two at most, create the sense that the forms are shifting relative to each other. It reads as movement without being obvious about it. Most people also don't notice how few colors are actually in the painting. From a distance it reads as rich and varied. Up close, the palette is spare. That compression is part of the discipline: getting a lot of visual information from a small number of decisions. The bottom edge of the composition is slightly heavier than the top. The forms there are wider, the values slightly darker. It grounds the painting without making it feel weighted down. It's the visual equivalent of the shoreline itself, the place where everything settles before the next wave comes through. If that kind of movement resonates with you, Beach is available as a framed original, 30 × 30 inches, ready to hang. If you'd like to see it in your space before deciding, I'm happy to help with that. You can also browse the full coastal paintings collection for related works. View Beach →  |  Questions: shiloratner@gmail.com
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