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Richard Diebenkorn : Notes à moi-même et leur signification pour ma pratique

Richard Diebenkorn Ocean Park series influence — geometric abstract painting by Shilo Ratner, New Haven, CT

Mes abstractions géométriques s'enracinent dans le Bay Area Figurative Movement – une tradition qui m'a appris que l'abstraction n'a pas à abandonner le monde, elle doit juste trouver une autre façon de le voir. Ayant passé une partie significative de ma carrière d'artiste à San Francisco, j'ai été immergé dans cet héritage, entouré par la lumière, le paysage et la culture artistique qui ont façonné la propre vision de Diebenkorn. Plusieurs artistes de cette lignée ont influencé ma pensée, mais l'un d'eux se distingue : Richard Diebenkorn.

Diebenkorn a navigué avec fluidité entre la figuration et l'abstraction tout au long de sa carrière, et sa série Ocean Park demeure l'une des œuvres abstraites géométriques les plus discrètement puissantes jamais réalisées. Ses peintures ne s'annoncent pas. Elles se déploient. Cette qualité, contenue, lumineuse, rigoureusement structurée, est quelque chose auquel je reviens sans cesse dans ma propre pratique.

Notes pour moi-même sur le début d'une peinture

En étudiant le processus créatif, je suis tombé sur un document remarquable : une liste trouvée parmi les papiers de Diebenkorn après sa mort en 1993, initialement partagée par la blogueuse Jeane George Weigel. L'orthographe et les majuscules sont conservées telles quelles dans l'original.

  1. tentez ce qui n'est pas certain. La certitude peut ou non venir plus tard. Elle peut alors être une précieuse illusion.
  2. La jolie position initiale qui ne parvient pas à la complétude ne doit pas être valorisée, sauf comme stimulant pour de nouvelles actions.
  3. Cherchez. Mais pour trouver autre chose que ce qui est cherché.
  4. Utilisez et réagissez aux qualités initiales fraîches mais considérez-les comme absolument consommables.
  5. Ne "découvrez" pas de sujet, quel qu'il soit.
  6. D'une manière ou d'une autre, ne vous ennuyez pas, mais si vous devez le faire, utilisez-le dans l'action. Utilisez son potentiel destructeur.
  7. Les erreurs ne peuvent pas être effacées mais elles vous font avancer de votre position actuelle.
  8. Continuez à penser à Polyanna.
  9. Tolérez le chaos.
  10. Soyez prudent seulement d'une manière perverse.

Pourquoi ces notes sont toujours pertinentes

Ce qui me frappe chaque fois que je lis cette liste, c'est à quel point elle est pratique. Ce ne sont pas de grandes déclarations philosophiques sur l'art. Ce sont des instructions de travail. Des notes d'un peintre à lui-même, écrites au milieu de la lutte que tout artiste connaît : l'écart entre ce que vous avez l'intention de faire et ce que l'œuvre devient.

"Tentez ce qui n'est pas certain." Cette seule phrase est restée gravée en moi pendant des années. C'est à la fois une permission et un défi. Dans la peinture abstraite géométrique, il y a toujours la tentation de tout résoudre trop rapidement, de trouver la ligne nette, la forme satisfaisante, et de s'arrêter là. Les notes de Diebenkorn s'y opposent. Elles vous demandent de rester plus longtemps dans l'incertitude. De faire confiance au fait que la peinture sait quelque chose que vous ne savez pas encore.

"Tolérez le chaos." Deux mots qui décrivent le milieu de presque toutes les peintures que j'ai jamais réalisées.

L'influence de Diebenkorn sur la peinture abstraite géométrique

L'influence de Richard Diebenkorn sur l'art abstrait géométrique contemporain est difficile à surestimer. Sa série Ocean Park, 135 peintures grand format réalisées entre 1967 et 1988, a redéfini ce que l'abstraction géométrique pouvait ressentir. Là où une grande partie du travail abstrait géométrique de cette époque était froide et systématique, les peintures de Diebenkorn étaient chaleureuses, atmosphériques et profondément personnelles. La lumière les traversait. Les relations de couleurs changeaient et respiraient. Cette sensibilité à la couleur en tant que force relationnelle est directement liée au travail de Josef Albers. Pour en savoir plus sur la façon dont la perception des couleurs façonne ma propre pratique, lisez comment Josef Albers a façonné ma vision de la couleur.

Pour les artistes travaillant aujourd'hui dans l'abstraction géométrique, son travail rappelle que la structure et le sentiment ne sont pas des opposés. Qu'une peinture peut être rigoureusement composée et émotionnellement vivante en même temps. C'est la tension que j'essaie de maintenir dans mon propre travail, la forme géométrique comme un contenant pour quelque chose de moins contenable.

Le Bay Area Figurative Movement et ma pratique

Le Bay Area Figurative Movement a émergé dans les années 1950 en réaction à la dominance de l'Expressionnisme abstrait, un retour à la figure, au lieu, au spécifique. Diebenkorn était au centre de ce mouvement, aux côtés de David Park et Elmer Bischoff. Ce que je retiens de cette tradition, ce n'est pas la figuration elle-même, mais ses valeurs sous-jacentes : l'ancrage, la spécificité, le sentiment qu'une peinture doit donner l'impression de venir de quelque chose de réel.

Vivre et travailler en tant qu'artiste à San Francisco m'a donné un accès direct à cet héritage, à la lumière de la Baie, à la qualité particulière de l'air venant de l'eau, à la culture d'observation sérieuse qui traverse les institutions artistiques de la ville. Cette expérience est ancrée dans ma façon de voir et de peindre, même maintenant que ma pratique en atelier est basée à New Haven, dans le Connecticut, avec des collectionneurs dans la région de New York, de la Baie de San Francisco et au-delà. Pour un regard plus approfondi sur la façon dont cette pratique a commencé, lisez Un début tranquille en atelier.

Mes abstractions géométriques, les formes audacieuses, les couleurs superposées, les compositions linéaires qui maintiennent la tension sans la résoudre trop facilement, sont façonnées par les deux côtes. Les notes de Diebenkorn me rappellent pourquoi.

Sur le processus créatif dans l'art abstrait

L'une des questions les plus fréquentes posées par les collectionneurs et les visiteurs est : comment savez-vous quand un tableau est terminé ? Les notes de Diebenkorn offrent la réponse la plus honnête que j'aie jamais rencontrée : vous ne le savez pas entièrement. Vous faites des gestes. Vous réagissez. Vous tolérez le chaos jusqu'à ce que quelque chose se clarifie. Et puis, si vous avez de la chance, le tableau vous dit qu'il est terminé avant que vous n'ayez eu le temps de trop le travailler.

C'est le processus créatif en art abstrait, aussi proche de la vérité que je puisse le dire. Pour en savoir plus sur la façon dont cette quiétude et cette clarté se manifestent dans l'œuvre elle-même, lisez Montagnes, méditation et trouver le calme à travers l'art. Pour en savoir plus sur la philosophie derrière l'œuvre, lisez mon approche de l'art paysager minimaliste.

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Si l'approche de Diebenkorn de l'abstraction géométrique résonne en vous – la structure, la couleur, la volonté de rester dans l'incertitude –, je vous invite à explorer ma collection de peintures abstraites géométriques originales et d'œuvres mixtes sur papier.

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Si l'énergie structurée et axée sur la couleur de cet article résonne, ces trois œuvres de la collection de papiers abstraits partagent cette même tension entre géométrie et sensation :

  • LV No. 3, forme géométrique audacieuse, couleur superposée, œuvres sur papier
  • LV No. 5, composition structurée, marques expressives, œuvres sur papier
  • LV No. 9, forme géométrique rose fluorescent, énergie linéaire, œuvres sur papier

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Série d'artistes

Ce billet fait partie d'une série continue sur les artistes qui ont façonné ma pratique. Chaque billet explore une figure différente dont l'œuvre, les idées ou la philosophie créative ont marqué ma façon de concevoir la peinture. Les derniers billets de la série incluent :

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Building the System The canvas is square, which matters. A square doesn't have a natural direction. It doesn't push the eye left to right or top to bottom the way a landscape format does. That neutrality was useful here, because the movement had to come entirely from the forms themselves, not from the shape of the support. The composition is built from horizontal bands that shift, compress, and interrupt each other. They function as tidal layers: each one moving at a different rate, overlapping without merging. The eye follows the edges rather than any single focal point. There's no center of gravity. The painting holds attention by distributing it. That relationship between rhythm and structure is something I explored more directly in Ebb and Flow Abstract Painting: When Surrender Becomes Creation. I also made a deliberate decision to keep the forms hard-edged. Soft edges would read as atmospheric, impressionistic, wave-like in a literal sense. Hard edges force the geometry to carry the movement instead. The result feels more like a diagram of the coast than a depiction of it. Color Logic The palette is blue and neutral, but the neutrals are doing most of the structural work. A range of warm and cool off-whites sits alongside the blues, and the temperature shifts between them create a subtle spatial push and pull. Warmer neutrals advance slightly. Cooler ones recede. That movement is quiet, but it's what gives the painting depth without relying on illusionistic perspective. The same principle is at work in How Josef Albers Shaped the Way I See Color. The blues are controlled rather than expressive. Some lean toward slate, others toward a washed cerulean, others toward near-gray. Each one is chosen for its relationship to the forms around it, not for emotional effect on its own. The emotion comes from the whole, not any single color. I also kept the value range relatively compressed. High contrast would have created drama. I was after something steadier, calm, but still in motion. The result is a kind of unsettled calm, like watching the tide without needing it to resolve. What Changed Along the Way The early version had more forms, more bands, more interruptions, more variation in width. It was busier, and that busyness worked against the system. I simplified. Removed two horizontal elements entirely. Widened two of the remaining bands so the rhythm slowed down. The painting became quieter, and paradoxically more active, because the eye had room to move between the forms rather than being crowded by them. The frame color also changed. The original frame was a cooler white that competed with the lightest tones in the painting. I switched to a warmer wood finish that separates cleanly from the canvas without pulling attention. What Viewers Don't Notice The edges of the forms are not perfectly parallel. This is intentional. If every horizontal band were exactly parallel, the painting would feel mechanical, static, like a striped field rather than a system in motion. The slight deviations, a degree or two at most, create the sense that the forms are shifting relative to each other. It reads as movement without being obvious about it. Most people also don't notice how few colors are actually in the painting. From a distance it reads as rich and varied. Up close, the palette is spare. That compression is part of the discipline: getting a lot of visual information from a small number of decisions. The bottom edge of the composition is slightly heavier than the top. The forms there are wider, the values slightly darker. It grounds the painting without making it feel weighted down. It's the visual equivalent of the shoreline itself, the place where everything settles before the next wave comes through. 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