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Rétrospective Ruth Asawa au MoMA : Leçons de dévouement et de forme

Ruth Asawa wire sculpture exhibition at Museum of Modern Art

Rétrospective Ruth Asawa au MoMA : Leçons de dévouement et de forme

Mon mari et moi avons franchi une étape importante cette semaine : 25 ans de vie commune. Naturellement, nous avons célébré à New York, et j'ai passé du temps au MoMA à renouer avec l'art qui alimente ma pratique créative.

Célébrer 25 ans à New York

Peu importe le nombre de fois où je visite New York, elle m'inspire toujours – l'art, le mouvement, les gens, même la surcharge sensorielle (5e Avenue, je te regarde 😂). C'est le genre d'endroit qui me rappelle pourquoi j'ai choisi cette vie d'artiste.

Entre les rencontres avec des amis et l'exploration de la ville, j'ai pris le temps de me rendre dans ce qui me semble toujours être une station de recharge créative : le Museum of Modern Art.

La rétrospective Ruth Asawa au MoMA

Rien ne m'a autant captivée que la rétrospective Ruth Asawa. Si vous n'avez pas eu l'occasion de découvrir son œuvre en personne, je ne saurais trop vous la recommander. Ses sculptures en fil métallique torsadé sont hypnotisantes – délicates mais puissantes, minimales mais complexes.

L'exposition présente des décennies de son travail innovant, de ses emblématiques formes suspendues en fil métallique à ses projets d'art public et ses dessins. Voir l'étendue de sa pratique dans un seul espace est à la fois humble et inspirant.

Ruth Asawa : Une histoire de résilience

Son histoire seule est stupéfiante. Née de parents immigrants japonais, Ruth Asawa a été injustement incarcérée avec sa famille pendant la Seconde Guerre mondiale. Même alors, elle a continué à dessiner et à créer, s'accrochant à l'art comme une bouée de sauvetage pendant l'un des chapitres les plus sombres de l'Amérique.

Plus tard, au Black Mountain College – la légendaire école d'art expérimentale – elle a été encadrée par des visionnaires comme Josef Albers et Buckminster Fuller. Sa curiosité pour les matériaux du quotidien l'a amenée à développer les sculptures complexes en fil métallique torsadé pour lesquelles elle est aujourd'hui célébrée.

Inspirées en partie par les techniques de vannerie qu'elle a apprises au Mexique, ses formes brouillent la frontière entre sculpture, dessin et ombre. Elles semblent vivantes, respirant avec la lumière, se transformant à mesure que l'on se déplace autour d'elles.

La sculpture en fil comme dessin dans l'espace

Ce qui rend les sculptures en fil d'Asawa si fascinantes, c'est la façon dont elles fonctionnent comme des dessins tridimensionnels. Le fil crée des lignes dans l'espace, et les ombres projetées par les formes créent des dessins secondaires sur les murs et le sol.

C'est à la fois une sculpture, un dessin et une installation lumineuse – une réinvention complète de ce que la sculpture peut être. La transparence du fil permet de voir à travers plusieurs couches simultanément, créant de la profondeur et de la complexité à partir des matériaux les plus simples.

Leçons de dévouement et d'expérimentation

En tant qu'artiste, voir ce genre de dévouement et d'expérimentation a un impact différent. Je me suis retrouvée à étudier la façon dont ses pièces respirent avec la lumière – comment quelque chose de si minimal peut être si puissant.

Cela m'a rappelé à quel point il est important de :

• Rester curieux des matériaux et des processus
• Explorer au-delà de sa zone de confort
• Laisser les matériaux vous guider plutôt que de les forcer
• Trouver la beauté dans la simplicité et la répétition
• Persévérer face à l'adversité et aux défis

Le travail d'Asawa démontre qu'un art profond n'exige pas de matériaux coûteux ni de grands gestes – il exige une vision, du dévouement et une volonté d'explorer.

L'influence sur ma pratique

Bien que mon travail en peinture abstraite géométrique soit assez différent des sculptures en fil d'Asawa, je vois des parallèles dans nos approches. Nous travaillons tous les deux avec la répétition, la forme géométrique et l'interaction de la lumière et de l'ombre. Nous nous intéressons tous les deux à la manière dont des éléments simples peuvent créer des expériences visuelles complexes.

Son dévouement à l'artisanat et sa capacité à trouver des variations infinies dans un vocabulaire restreint de matériaux et de techniques sont des aspects auxquels j'aspire dans ma propre pratique de la peinture.

Pourquoi le MoMA ne déçoit jamais

Le Museum of Modern Art présente constamment des expositions qui interpellent, inspirent et éduquent. Qu'il s'agisse de rétrospectives historiques comme celle de Ruth Asawa ou d'œuvres contemporaines de pointe, le MoMA offre le genre d'engagement profond avec l'art dont tout artiste a besoin.

Pour quiconque visite New York, le MoMA est essentiel. Pour les artistes, c'est une leçon magistrale de dévouement, d'innovation et de pouvoir de la vision.

Découvrez l'exposition

J'ai pris quelques photos, mais elles ne rendent pas justice à la profondeur ou à la délicatesse de son travail. L'expérience elle-même était la véritable source d'inspiration – la façon dont les sculptures bougent avec les courants d'air, les ombres qu'elles projettent, la qualité méditative de leur présence.

Installation de sculpture en fil torsadé de Ruth Asawa au MoMASculpture complexe en fil de Ruth Asawa créant des ombres et de la profondeur

Si vous êtes à New York, prenez le temps de visiter cette exposition. Si vous êtes un artiste, c'est une visite incontournable.

Explorez l'art abstrait géométrique

Si vous êtes attiré par l'art qui explore la forme, la lumière et la précision géométrique, je vous invite à découvrir ma collection de peintures abstraites géométriques. Bien que mon médium soit différent de celui d'Asawa, le dévouement à l'artisanat et l'exploration de la forme relient nos pratiques.

Voir la collection d'art abstrait géométrique

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Building the System The canvas is square, which matters. A square doesn't have a natural direction. It doesn't push the eye left to right or top to bottom the way a landscape format does. That neutrality was useful here, because the movement had to come entirely from the forms themselves, not from the shape of the support. The composition is built from horizontal bands that shift, compress, and interrupt each other. They function as tidal layers: each one moving at a different rate, overlapping without merging. The eye follows the edges rather than any single focal point. There's no center of gravity. The painting holds attention by distributing it. That relationship between rhythm and structure is something I explored more directly in Ebb and Flow Abstract Painting: When Surrender Becomes Creation. I also made a deliberate decision to keep the forms hard-edged. Soft edges would read as atmospheric, impressionistic, wave-like in a literal sense. Hard edges force the geometry to carry the movement instead. The result feels more like a diagram of the coast than a depiction of it. Color Logic The palette is blue and neutral, but the neutrals are doing most of the structural work. A range of warm and cool off-whites sits alongside the blues, and the temperature shifts between them create a subtle spatial push and pull. Warmer neutrals advance slightly. Cooler ones recede. That movement is quiet, but it's what gives the painting depth without relying on illusionistic perspective. The same principle is at work in How Josef Albers Shaped the Way I See Color. The blues are controlled rather than expressive. Some lean toward slate, others toward a washed cerulean, others toward near-gray. Each one is chosen for its relationship to the forms around it, not for emotional effect on its own. The emotion comes from the whole, not any single color. I also kept the value range relatively compressed. High contrast would have created drama. I was after something steadier, calm, but still in motion. The result is a kind of unsettled calm, like watching the tide without needing it to resolve. What Changed Along the Way The early version had more forms, more bands, more interruptions, more variation in width. It was busier, and that busyness worked against the system. I simplified. Removed two horizontal elements entirely. Widened two of the remaining bands so the rhythm slowed down. The painting became quieter, and paradoxically more active, because the eye had room to move between the forms rather than being crowded by them. The frame color also changed. The original frame was a cooler white that competed with the lightest tones in the painting. I switched to a warmer wood finish that separates cleanly from the canvas without pulling attention. What Viewers Don't Notice The edges of the forms are not perfectly parallel. This is intentional. 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If that kind of movement resonates with you, Beach is available as a framed original, 30 × 30 inches, ready to hang. If you'd like to see it in your space before deciding, I'm happy to help with that. You can also browse the full coastal paintings collection for related works. View Beach →  |  Questions: shiloratner@gmail.com
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